Los grandes estudios de la Edad de Oro de Hollywood educaron la mirada colectiva en los fotomontajes de supuesta naturalidad de imágenes preparadas para llevar al público el perfil o los valores que deseaban transmitir las productoras con cada una de sus estrellas en nómina. Eran escenas construidas para vender la idea de que era posible entrar en la privacidad de los ídolos del celuloide.

Unas décadas más tarde se impusieron los fotógrafos como asistentes a los rodajes, presentes en todo momento para capturar el proceso de creación de la película. En la era predigital, las reproducciones impresas de estos negativos fotográficos permitían obtener las primeras imágenes de un largometraje y eran vitales en la promoción de los largometrajes.

En Europa se solía optar por una vía intermedia: las fotos de estudio donde los cuerpos y la gesticulación eran el material primario y mediaban entre la cámara y los actores, bailarines o artistas. La exposición Acting for the Camera (Actuando para la cámara) reúne 120 copias y originales de fotografías, tomadas entre 1850 y la actualidad, y usadas con fines promocionales.

La muestra, en el museo Albertina de Viena hasta el 30 de mayo, examina las diversas formas de presentación de los modelos y escenificación de su imagen. La selección se divide en seis áreas temáticas: estudios de movimiento, modelos para artistas, danza, cuentos ilustrados, retratos de actrices y actores y acciones sobre los cuerpos y anatomías.

Todas las imágenes, destacan los organizadores, surgieron como "formas diversas de colaboración" entre los modelos y fotógrafos. Mientras algunas de las sesiones se organizaban según el estilo de estos últimos, no es infrecuente que otras partiesen de un proceso creativo en con el modelo y el fotógrafo "en pie de igualdad". En algunos casos, los menos, las imágenes fueron tomadas de acuerdo con "instrucciones muy específicas dadas por el modelo".

Se muestran series de Ottomar Anschütz, datadas a partir de 1890, para estudiar con detalle los movimientos de algunos atletas y mejorar el rendimiento en pruebas como los lanzamientos. De la misma época son las fotos de desnudos realizadas en estudio por Johann Victor Krämer y Otto Schmidt, con copias que en ocasiones eran vendidas de tapadillo como material erótico.

Una relación fuerte y mutuamente influyente surgió entre la fotografía y la danza a principios del siglo XX, con el ballet expresionista moderno, una forma de arte vanguardista en el que los bailarines trabajaban en estrecha colaboración con los fotógrafos para documentar y difundir las actuaciones.

Los gestos expresivos empezaron a ser usados como metalenguaje por retratistas de estudio como Anton Josef Trčka, autor de un icónico retrato del pintor Egon Schiele, donde las manos tienen la intención de sugerir un movimiento cinético similar al de la danza.

La risa abierta, espontánea e inolvidable de Romy Schneider, los paisajes construidos por Helmar Lerski a partir del efecto de luces y sombras sobre el rostro y la exploración del propio cuerpo desnudo de John Caplans en retratos de macrofotografía también aparecen en la exposición.

En el accionismo experimental vienés los artistas también se colocaron como sujetos pictóricos: Rudolf Schwarzkogler aparece envuelto como una momia con vendajes de muselina en una foto de los años sesenta. Las obras más recientes son la "esculturas de un minuto" de Erwin Wurm, para las cuales el artista pide a los  modelos que asuman poses ridículas con objetos cotidianos.